La calle Roca de Liverpool

En siglos pasados el comercio de esclavos dejaba grandes cantidades de riquezas a distintas ciudades del Reino Unido. Las inglesas Bristol y Liverpool son un ejemplo de ellas, por la sencilla razón de tratarse de puntos o escalas de intercambio en el trayecto en que se transportaba a los esclavos desde África hasta América. James Penny, entre otros, fue uno de los comerciantes que mas dinero acumuló con este negocio, llevando centenares de africanos en reiterados viajes. Y por esas cosas de difícil comprensión, fue galardonado con el honor ver su nombre en un pasaje en la ciudad de Liverpool, previamente a la abolición de la esclavitud.
Ya en el presente siglo, la legisladora local Barbara Mace, intentó cambiar el nombre de ese pasaje y de muchas calles que homenajeaban a personas que se enriquecieron con esta nefasta práctica. Sin embargo, falló en la concreción del proyecto, y decidió dar marcha atrás al mismo, proponiendo en cambio, que coloquen placas que describan el contexto del origen del nombre.
Los motivos que llevaron a Mace a arrepentirse, no tienen que ver con cuestiones políticas, sino mas bien, con cuestiones culturales. Es que estamos hablando del Pasaje Penny. En inglés, Penny Lane. Exacto, la misma Penny Lane que los Beatles describieron en 1967.
Si bien se ha mencionado que Penny Lane es un pasaje, cabe aclarar que también se conoce con el mismo nombre a la zona que rodea su intersección con Smithdown Road, zona en la cual tanto McCartney como Lennon pasaron sus años de infancia. Entre una mezcla de nostalgia y verdad (según sus palabras) Sir Paul enumera en la cancion, muchos lugares que existieron realmente y que todavía persisten en la actualidad, aunque con ligeras modificaciones. La barbería que exhibía fotos de clientes (aunque McCartney reconoció que solo eran imágenes de cortes de cabello) pertenecía a la familia italiana de apellido Bioletti, y se dice que el propio Mr. Bioletti era el peluquero de John y Paul cuando eran niños. En ese lugar, hoy funciona una peluquería unisex ajena a los italianos, pero de gran atractivo turístico. El banco de la esquina sigue funcionando desde esa época. Lo que no podemos confirmar es si el banquero aprendió a protegerse de la lluvia. El refugio de la rotonda sigue en su lugar. Solo que ahora funciona un restaurant, el Sgt. Pepper Bistro.

Todos estos lugares movilizan cantidades de turistas constantemente. Todos los que visitan la zona quieren conocer cada lugar por el que pasaron los Beatles y la pasión por el cuarteto y el afán de conseguir algún souvenir a veces trae consecuencias negativas. Muchos carteles que indicaban el nombre de la calle, fueron arrancados con el paso de los años. En la actualidad se encuentran atornillados o colocados inalcanzablemente altos. Lo que generó Penny Lane, casi como todo lo que generaron los Beatles, no merece más explicación. Sería insuficiente describir el éxito y alcance mundial de esta canción. Lo curioso es lo contrastante de la alegría del tema y, según sus habitantes, la energía positiva del lugar, con el oscuro origen del nombre en torno a James Penny, y su vergonzosa y repudiable actividad. Si hoy estuviera vivo, ¿exigiría a los Beatles una compensación monetaria por haber utilizado su nombre?

En Penny Lane hay un barbero enseñando las fotografías
De todas las cabezas que ha tenido el gusto de conocer
Y toda la gente que viene y va
Se detiene a saludarse

En la esquina hay un banquero con un coche
Los niños se ríen de él a sus espaldas
Pero el banquero nunca lleva impermeable
Cuando llueve a cántaros, eso es muy raro

Penny Lane está en mis ojos y en mis oídos
Allí, bajo los azules cielos de los suburbios

Me siento, y volviendo al tema

En Penny Lane hay un bombero con un reloj de arena
Y en su bolsillo lleva una foto de la Reina
Le gusta tener limpio su camión de bomberos
Es una máquina limpia

Penny Lane está en mis ojos y en mis oídos
Un cuarto de pescado y pastel de dedos
En verano, y volviendo al tema

Tras el refugio, en medio de la rotonda

La guapa enfermera esta vendiendo amapolas en una bandeja
Y aunque se siente como si estuviera actuando
No hay duda de que lo está haciendo

En Penny Lane el barbero afeita a otro cliente
Vemos al banquero sentado esperando a que le corten el pelo
Y el bombero entra corriendo
Bajo una lluvia torrencial, eso es muy raro

Penny Lane está en mis ojos y en mis oídos
Allí, bajo los azules cielos de los suburbios

Me siento, y volviendo al tema
Penny Lane está en mis ojos y en mis oídos
Allí, bajo los azules cielos de los barrios de la periferia
Penny Lane.

(1) Antigua barbería de Mr. Bioletti.

(2) Actual peluquería unisex.

(3) El banco de la esquina.

(4) El Refugio en la rotonda.

(5) El Sgt. Peppre Bistro en el antiguo refugio

The Beatles - Penny Lane

David Eisenhower, un hijo afortunado

Durante el extenso periodo en el que se desarrolló el conflicto bélico en Vietnam (primero como Guerra de Indochina – del ’55 al ’64-, y luego como Guerra de Vietnam o Segunda Guerra de Indochina – del ’64 al ’75) desfilaron por la Casa Blanca de los Estados Unidos, cinco presidentes diferentes. En orden cronológico: Dwight D. Eisenhower, John F. Kennedy, Lyndon B. Johnson (vice del asesinado JFK), Richard Nixon y Gerald Ford.

La canción que protagoniza este post, fue compuesta durante el mandato de Nixon y su letra involucra indirectamente tanto a su persona como a la del ex-presidente Dwight D. Eisenhower. Además de este tema, y del hecho de que Nixon fue vicepresidente de Eisenhower, existe un dato más que vincula a estas dos personas. David Eisenhower (foto), nieto del mandatario, se unió en sagrado matrimonio con Julie Nixon, hija del, por ese entonces presidente de Estados Unidos.

John Fogerty, líder y cantante de Creedence Clearwater Revival, compuso el tema Fortunate Son, en el contexto anteriormente descripto. Guerra de Vietnam mediante, a Fogerty le irritaba la idea de que existieran ciertos jóvenes privilegiados exentos de participar en la guerra y poner en riesgo su vida, por el solo hecho de tener un apellido heredado de algún poderoso. Más crispación le causaba, si encima ese “poderoso” contribuía a la continuidad del conflicto.

En la publicación Hank Bordowitz’s unofficial histoy of Creedence Clearwater Revival, la voz de la banda californiana relataba el origen de Fortunate Son: …“no tengo una imagen positiva de la gente que vive en la zona residencial con sus grandes autos. Es gente que no respeto. Durante la Guerra de Vietnam, ninguno de ellos tuvo que ir a combate. Estaba pensando en David Eisenhower, el nieto de Dwight, que se caso con Julie Nixon. En 1969 cerca del ochenta por ciento de la población estaba a favor de la guerra. Pero algunos de nosotros que mirábamos de cerca, sabíamos que nos estábamos metiendo en problemas”…”la canción fue escrita, por su puesto, durante la era Nixon, y tenias la sensación de que esa gente brindaba un trato preferencial, y la idea de haber nacido a salvo o haber nacido poderoso tomaba la delantera a fines de los ’60. En ese entonces tenía veintitrés años, creo, y estaba loco con respecto a que un chico cualquiera tuviera que servir al ejército en una guerra de la cual estaba en contra. En fin, a la gente acomodada no le importaba eso. Esta gente se limitaba a decir “It’s good for America”…En cuanto a la composición de la canción, Fogerty contaba: …”le estaba enseñando el tema a la banda. No tenía mucho. Conocía los cambios de acordes y pude sentir su energía. Tenia un poquito de Fortunate Son, pero no una canción completa. Entonces me fui a mi habitación, me senté al borde de la cama con una tabla amarilla y un bolígrafo. Así salio la canción. 'No soy yo, no soy yo, no soy yo un hijo afortunado'. Estaba gritando por dentro, muy intensamente, pero no salía ninguna palabra. Hasta que salieron y se volcaron en tres hojas de papel. Me llevó veinte minutos. Fue como una erupción”…

Some folks are born made to wave the flag
Ooh, they're red, white and blue
And when the band plays "Hail to the chief"
Ooh, they point the cannon at you

It ain't me, it ain't me, I ain't no senator's son
It ain't me, it ain't me; I ain't no fortunate one

Some folks are born silver spoon in hand
Lord, don't they help themselves
But when the taxman comes to the door
Lord, the house looks like a rummage sale

It ain't me, it ain't me, I ain't no millionaire's son
It ain't me, it ain't me; I ain't no fortunate one

Some folks inherit star spangled eyes
Ooh, they send you down to war
And when you ask them, "How much should we give?"
Ooh, they only answer More! more! more!

It ain't me, it ain't me, I ain't no military son
It ain't me, it ain't me; I ain't no fortunate one

It ain't me, it ain't me, I ain't no fortunate one
It ain't me, it ain't me, I ain't no fortunate son

Creedence Clearwater Revival - Fortunate Son

Aguas turbias bajo el puente

Corría el año 1986 cuando el baterista Jack Irons se incorpora por segunda vez al plantel de los Red Hot Chili Peppers, y de esta manera, junto con Anthony Kiedis, en la voz, Michael Balzary (Flea), al bajo y Hillel Slovak, en guitarra, mantuvieron el formato de cuarteto característico de los Peppers independientemente de todas las formaciones por las que pasaron (desfilaron 4 bateristas y 8 guitarristas, mientras que Flea y Kiedis, inamovibles, son el alma de la banda).
Con la vuelta de Irons, Flea vio en él un posible compañero de lucha contra lo que estaba preocupando al saltarín bajista: la creciente adicción a las drogas de Anthony y de Hillel, no solo ponían en peligro el futuro de la banda, sino también el de sus propias vidas. Si bien Flea también consumía, era mas cauto y rara vez excedía los límites de la marihuana para caer en alguna toxina más comprometedora. Por el contrario, Kiedis y Slovak, incorporaban recurrentes dosis de heroína a su organismo, aunque con actitudes claramente opuestas. Mientras que el guitarrista lo hacia en privado, evitando involucrar terceros, Anthony pensaba que no tenia motivos para esconderse de sus amigos por lo que los hacia testigos de su lenta autodestrucción.
Ambos conseguían drogas en las calles. Hillel se abastecía, misteriosamente, casi a escondidas. Kiedis tenía un contacto con un conjunto de pandilleros cuyo punto de reunión era bajo un puente en la ciudad de Los Angeles, ciudad natal de la banda. Ese puente es el escenario donde se desarrolla la historia con melodía de este post.
Under the bridge (bajo el puente) pertenece al disco Blood Sugar Sex Magik y es uno de los mas importantes éxitos de los Peppers.
Pero volvamos a la historia. La adicción de Hillel, era menos visible que la de Anthony. Sin embargo, fue el guitarrista quien se vió envuelto en situaciones en las que le era imposible mantenerse en pie, y mucho menos ejecutar su instrumento. Se cuenta que ha habido recitales de la banda en los que tuvieron que salir a tocar sin guitarra. Estas situaciones se transformaron en rutina, hasta que el sábado 25 de Junio de 1988, Slovak, volvió a su casa en brazos de un amigo, el cual le dio la última dosis que toleraría su cuerpo. Recostado sobre su cama, cayó en coma y fue encontrado muerto el martes siguiente.
La noticia de su muerte no solo provoco un terremoto emocional en la banda, sino que llamó a Kiedis a la reflexión. Mientras se culpaba de no haber podido salvarlo (Anthony conoce técnicas de RCP y, según cuenta, ha traído de vuelta a varios amigos con sobredosis), se tomo su tiempo para asimilar la noticia. Viajo a México y estuvo cinco semanas en un pueblo de pescadores, solo, con su dolor, pero sin drogas.
Pasado ese momento de desahogo vuelve a Los Ángeles y retoma la actividad musical, pero junto con Flea, se vieron en la necesidad de conseguir dos reemplazos. Un guitarrista, en el puesto del fallecido Slovak, y un baterista, dado que Irons se abrió de la banda tras no superar la muerte de su amigo. Llegaría el turno entonces de John Frusciante, quien se haría cargo de las cuerdas hasta el año 2009, y de DH Peligro en los tachos, con una corta participación, ya que seria sustituido ese mismo año por el actual batero Chad Smith.
La actividad de los Peppers parecía encontrar nuevamente su camino, a tal punto que en 1989 editan su cuarto álbum, Mother's Milk.
Sin embargo, iniciada la década del ’90, un sentimiento de desazón invadió el alma de Kiedis. Alejado la heroína, Anthony sentía que también lo estaba de su familia, amigos, y no encontraba consuelo a ese sentimiento. Sentado en su coche comenzó a manejar sin rumbo mientras de su boca, como si fuera una posesión, balbuceó lo que seria el inicio de la canción, "Sometimes I feel like I don't have a partner..." (A veces siento como si no tuviera un compañero…). La letra termino de plasmarse en un anotador que tiempo después, encontraría el productor de la banda, casi por casualidad, en la casa de Kiedis.
Si bien Anthony no estaba de acuerdo con la inclusión de Under the bridge en el próximo disco, ya que consideraba que no daba con el estilo funk de la banda, el productor insistió en mostrársela al resto de los integrantes. Bastó una primera entonación por parte del vocalcita, para que Flea y John Frusciante se dispusieran a componer la base instrumental. Frusciante consideraba que la letra era demasiado triste e intentó con su guitarra sostenerla con acordes un poco mas alegres. La canción fue un éxito del disco de 1991 Blood Sugar Sex Magik, y como dato curioso se puede señalar que los coros del final del tema son interpretados por la madre de John Frusciante y sus amigas.

A veces siento
Como si no tuviera un compañero
A veces siento
Como que soy mi único amigo
Es la ciudad en la que vivo
La ciudad de los Ángeles
Solitaria como yo lo estoy
Juntos lloramos

Conduzco en sus calles
Porque ella es mi compañera
Camino a través de sus colinas
Porque ella sabe quien soy yo
Ella ve mis buenas acciones
Y me besa como el viento
Nunca me preocupo
Ahora eso es una mentira

Nunca quiero volverme a sentir
Como me sentí ese día
Llévame al lugar que amo
Llévame todo el camino

Es dificil creer
Que no hay nadie allá afuera
Es dificil creer
Que estoy solo
Al menos tengo su amor
La ciudad, ella me ama
Solitaria como yo lo estoy
Juntos lloramos

Nunca quiero volverme a sentir
Como me sentí ese día
Llévame al lugar que amo
Llévame todo el camino

Bajo el puente en el centro de la ciudad
Es donde derramé algo de sangre
Bajo el puente en el centro de la ciudad
Pude no haber tenido suficiente
Bajo el puente en el centro de la ciudad
Me olvídé de mi amor
Bajo el puente en el centro de la ciudad
Dí mi vida

Under the bridge - Red Hot Chili Peppers

Un poco de miel no basta...

Habiendo pasado ya la hipnosis mundialista, hemos decidido retomar nuestro querido blog y seguir contando historias con melodía. En este caso nos disponemos a analizar el trasfondo de la canción Té para tres, del disuelto trío porteño llamado Soda Stereo.
Si bien uno puede leer la letra y apresurarse a pronosticar que se trata de una balada de desamor, lejos esta de serlo. Por el contrario, podríamos decir que se trata de un relato sobre un durísimo golpe que, en vez de debilitar un amor, lo fortalece. Pasamos a detallar.
“Las tazas sobre el mantel, la lluvia derramada, un poco de miel no basta”…así se empieza a describir la escena en la cual Gustavo Cerati, junto a sus padres, Lilian Clark y Juan José Cerati, esperan que el mozo del bar en el que se encontraban, deje sobre la mesa el pedido de tres tés que habían ordenado. Continúa,…”el eclipse no fue parcial” (o sea, fue total)…”y cegó nuestras miradas, te vi que llorabas por él”…la persona que llora es la madre de Gustavo, y el motivo del llanto es Juan José.
Corría el año 1990 cuando le fue diagnosticado un cáncer terminal al padre del líder de Soda, y la escena antes representada, fue el día en que recibieron la fatídica noticia.
“Un sorbo de distracción, buscando descifrarnos”… continúa luego del estribillo, como buscando una vía de escape en algo tan absurdo como un sorbo de té, buscando respuestas o soluciones a algo inevitable.
Juan José falleció en 1992.
El tema fue editado en el ’90 y lanzado a la venta dentro del disco Canción animal junto con otros éxitos como Un millón de años luz, (En) El séptimo día, Canción animal, De música ligera (el mayor éxito de la banda), entre otros. La versión original del tema tiene, como es de esperar, un tono melancólico trágico, de resignación, de desolación. No tiene percusión, se destaca la guitarra suave, y se oye un leve arreglo de teclado que crea el clima, mientras que la voz de Cerati expresa el sentimiento que motivó la composición.
En el último concierto de Soda Stereo, el líder de la banda le dedica el tema a su padre una vez finalizado el mismo.
Como curiosidades se puede agregar que en la versión unplugged Gustavo toca un fragmento de un solo perteneciente al tema Cementerio club, de Pescado Rabioso, mítica banda liderada por Luis Alberto Spinetta, y no solo ahí termina el lazo entre Té para tres y el flaco. En repetidas ocasiones Cerati y Spinetta lo interpretaron. Por ejemplo el 10 de Marzo de 2007 en un recital gratuito (Alcorta y Pampa) siendo Gustavo Cerati el anfitrión, o por ejemplo en el recital de Luis Alberto, en el estadio de Vélez, en diciembre de 2009.
Como es habitual nos despedimos, con la letra de Té para tres, y los links vinculados.

Las tazas sobre el mantel
la lluvia derramada...
un poco de miel
un poco de miel
no basta.

El eclipse no fue parcial
y cegó nuestras miradas
te vi que llorabas
te vi que llorabas
por el.

Té para tres.

Un sorbo de distracción
buscando descifrarnos
no hay nada mejor
no hay nada mejor
que casa.

Té para tres.

Soda Stereo – Té para tres – Version original

Soda Stereo – Té para tres – Ultimo concierto (con dedicatoria a su padre)
Soda Stereo – Té para tres – Unplugged
Gustavo Cerati y Luis Alberto Spinetta – Té para tres – Vivo
Pescado Rabioso – Cementerio Club

Canción Mundialista: Waving Flag

Después de cuatro largos años, la espera terminó para aquellos corazones futboleros que renuevan la esperanza de ver a su selección levantar el preciado trofeo, en la final del campeonato mundial de futbol. El escenario es distinto, los equipos son distintos, la pelota es distinta y en este entorno donde todo se renueva, la canción del mundial no es la excepción.
Si bien la canción oficial de Sudáfrica 2010 es Waka Waka, interpretada por la colombiana nuera de nuestro queridísimo ex-presidente, existe otro tema que llegó al público a través de un comercial y supo ganarse un espacio en la memoria de, como dicen los españoles, la afición.
Waving Flag, es el protagonista de este post y su autor es el rapero Keinan Abdi Warsame (cualquier similitud con Jimi Hendrix es pura coincidencia). Su nombre significa “viajero” y en su versión artística se lo conoce como K’naan. Nació en Somalia en una familia de escasos recursos, donde el hambre y la injusticia social eran cotidianas. En 1991, cuando se desató una guerra civil en ese país, sufrió la perdida de tres amigos, los cuales fueron baleados delante de sus ojos. Por azar del destino, él pudo sobrevivir a ese ataque desatado por un grupo de jóvenes que pasaban por ahí. Fue en ese momento donde su familia pudo emigrar a Estados Unidos y posteriormente a Canadá, donde reside en la actualidad.
K’naan relató en una entrevista, que le tomó años superar lo que le había sucedido, y que pudo hacerlo ya de mayor y con una carrera artística en funcionamiento, en un viaje a Kenia, visitando a sus primos, con los que se crió. “Ellos me decían que lo que yo estaba haciendo era mas importante para ellos que el hecho de estar allí con ellos”, declaró. Los primos y gran parte de la familia de K’naan, así como tantas personas de la región, nunca pudieron salir de sus países natales, ni tampoco cambiar el rumbo de sus vidas condicionadas por factores externos a sus voluntades.
Volviendo al protagonista del post, Waving Flag, podemos decir que es una canción con dos identidades. Una es la que le imprimió la Coca Cola Company, y la otra es la que le nació de los sentimientos de su autor. Ésta ultima explica claramente la problemática social que sufren los pueblos africanos, y a su vez tiene un sentimiento de impotencia y de venganza y de a ratos de esperanza y optimismo. Relata la tortura de la esclavitud, el manoseo de sus derechos y la miseria y desamparo que los rodea día a día.
El ritmo y melodía es alentador, con aires de lucha, pero musicálmente tiene diferencias con su versión comercial.
Coca Cola encontró en Waving Flag, recursos auditivamente pegajosos, y vió la posibilidad de agregarle algunos otros para terminar de redondear la publicidad. Le sumó el, ya por todos coreado, “oh, oh, oh, oh, oh” que no figura en la versión original, le agregó una batucada con espíritu africano, también le cambió la melodía de algunas estrofas y endulzo un poco su letra para que sea políticamente mas correcta y mas acorde al campeonato mundial. Pero seguía sin cerrar. Le faltaba algo. Es entonces donde aparecen los agudos del español David Bisbal para aportar una cara y un idioma conocido para Latinoamérica y España. También existen versiones en Tailandia y hasta una versión en árabe interpretada por Nancy Ajram (la de Tailandia no tiene desperdicio!).
Retomando la versión con Bisbal, su letra es distinta de la original. Está condimentada con aditivos futboleros. Sin embargo conserva algunas frases, como las del estribillo que sigue teniendo el sentido que en su versión original, aunque se ve atenuado por el resto de la composición.
El pie del post están todas las versiones encontradas con sus letras. Como para ir cerrando, como opinión personal, creo que es una de las mejores canciones de mundiales de los últimos veinte años, y si imaginamos esa cantidad de años atras volvemos a tararear la electrizante melodía que nos marcó a todos los que la vivimos. Estamos hablando del hermoso regalo que nos hicieron Gianna Nannini y Edoardo Bennato, con su tema Un'estate italiana. Difícil de superar. Desde el ’90 y hasta la fecha, no han podido.

Waving Flag - Versión Original

Waving Flag en español - Versión con David Bisbal

Waving Flag en árabe - Versión con Nancy Ajram

Waving Flag en thailandés - Version con .......?

Track-Track

Así es, ha llegado el día del primer post que trata una canción escrita en nuestra lengua madre. Aunque se trate de un tema que no quedó en la historia como uno de las mejores creaciones de su autor, fue muy conocido en los años que lo vieron nacer y en algunos posteriores. Dejando de lado el misterio, le ponemos nombre y apellido para ir ubicándonos. Tema: Track-Track. Álbum: Ciudad de pobres corazones. Artista: Fito Páez. Empecemos por el álbum. Ciudad de pobres corazones fue compuesto en Tahití en 1987 y editado ese mismo año. Contiene once canciones de las que quizás solo una, la que lleva el mismo nombre que el disco, es considerada uno de los clásicos en la carrera del rosarino. Pero lo que es cierto es que el mensaje global del trabajo, de cada canción, de cada letra y de cada melodía, describe el sentimiento de Páez tras el terrible golpe sufrido a fines del ’86.

Herbert Vianna, lider de Os Paralamas do Sucesso, había invitado a Fito Páez a tocar con su banda en la gira que realizaban por brasil en 1986. Fue en ese contexto, cuando la mañana del 7 de Noviembre le comunican al cantante rosarino la terrible noticia. Su abuela Zulema Ramírez, de 80 años, y su tía Josefa Páez, de 76, habían sido baleadas y acuchilladas en su casa de Rosario. También resulto muerta la empleada doméstica Fermina Godoy, de 33, quien estaba embarazada. Automáticamente Fito cancela sus shows pactados y vuelve a su ciudad natal.

En medio de la carroña mediática alrededor del caso, en donde hasta se lo vio a Páez como sospechoso autor del hecho, fue su manager quien lo lleva a un viaje en las anteriormente mencionadas islas del pacifico (Tahití), para alejarlo de ese “circo” y que pudiera hacer su duelo.

El asesino fue encontrado un año después, al ser delatado por un travesti que lucía un collar de las abuelas Páez, el cual había llegado a su poder como un regalo del criminal.

Walter Di Giusti era un bajista frustrado que conocía a Fito de la escuela secundaria y se cree que sentía envidia de su éxito. Éste podría ser un posible motivo de su brutal acto. Se supo también que en total, Di Giusti asesinó a cinco mujeres con la ayuda de su hermano. La condena fue acortada en varias oportunidades hasta llegar a un arresto domiciliario, producto de una ceguera consecuente a ser HIV positivo. En 1998 se comprobó que el condenado caminaba impunemente por las calles rosarinas y que su estado de salud era apropiado para cancelar el arresto domiciliario. Volvió tras las rejas y en Junio del mismo año falleció.

Fito tenía apenas ocho meses, cuando perdió a su madre producto de un cáncer de hígado a la edad de 33, y su crianza fue compartida entre su padre, su abuela y su tía, a las cuales el considera sus madres (“el sacrificio de mis madres” relata en Mariposa Tecnicolor). Es por eso que, a criterio personal, este disco no fue compuesto, fue vomitado. Es oscuro, lleno de ira y de impotencia, y a la vez es melancólico, y deja que se filtre un pedido de necesario auxilio.

Track-Track, último tema del disco, resume todo lo antes mencionado. Su letra denota un estado de ansiedad, inseguridad e impotencia, enumera recuerdos e imágenes, describe la ola de medios y su “sospechosidad”, y pide a gritos en su estribillo lo único que ayuda a aliviar el dolor de una pérdida: el amor y la contención de los que siguen estando.

La canción fue versionada por Os Paralamas do Sucesso, con un ritmo un poco mas ágil y menos triste que el oscuro tema de Paez, pero conservando la letra original en cada una de sus líneas. Al pie del post, ambas versiones se encuentran disponibles. Hasta la próxima.

No se pasa el tiempo
Al menos para mí, ya tome pastillas
Y sigo sin dormir
Miro a los costados y nada que amarrar,
Ya no existen lazos
Alguien hizo trac, trac, trac

Todos los perfumes, todo aquel lugar
Todas las miserias y toda la verdad
Cada movimiento del sol en la pared,
Cada mueble viejo, cada anochecer
Eh, eh, eh

Dame tu amor, sólo tu amor
Dame tu amor, sólo tu amor

Pocas garantías hay para los dos
Nada en este mundo tiene algún valor
Todo el vecindario puede proceder
Yo soy sospechoso como vos y él

Vino todo el mundo, la radio y la TV
Vino el comisario, los ángeles también
Todos quieren algo, sangre o no se qué
Y todo el universo sigue intacto como ayer
Dame tu amor, sólo tu amor
Dame tu amor, sólo tu amor.

Fito Páez - Track-Track

Os Paralamas do Sucesso - Track-Track

¿Los "Shocking" qué?

“She’s got it, yeah baby, she’s got it”……Si mi viejo hubiera podido retener tan solo esas palabras, años de misterio se hubieran evitado. Paso a explicarles. La historia de este post más que una historia propia de la canción, es una anécdota personal que protagoniza el tema que tiene esas líneas de estribillo.
Durante toda mi infancia y gran parte de mi adolescencia mi viejo nos taladraba la cabeza hablándonos de una banda de la que solo sabía dos cosas. La primera era que se llamaban The Shocking Blue, y la segunda era que tenían un tema que le encantaba el rasguito de la guitarra. Mis hermanos y yo le preguntábamos cual era el nombre de ese tema, a lo que contestaba: “no tengo idea, no me acuerdo”, algo muy habitual en él.
Los años pasaban y el mito de los Shocking Blue cada vez nos sonaba más a bolazo del viejo, y que capaz ni siquiera se llamaran así y el nombre fuera completamente distinto, o que directamente ni existieran. En esa época Internet era algo que ni siquiera se veía en las películas futuristicas (pegaba mas los coches que volaban), con lo cual nos era muy complicado corroborar la existencia de los Shocking y en consecuencia el estado de salud mental del viejo.
No tengo muy claro el recuerdo del día que sonó en la radio el bendito tema, pero si que mi viejo me dijo: “Ahí! Ese! Ese tema!, esos son los Shocking Blue!”, y al escuchar lo que estaba sonando me di cuenta que el tema era un exitazo de todos los tiempos.
Ya en la epoca de Internet, buscando info sobre la banda, encontré el tema y su nombre. Venus, fue editado en 1969 y al poco tiempo ocupó las mejores posiciones en los rankings a nivel mundial. En cuanto a los Shocking Blue, se puede decir que eran cuarteto oriundo de La Haya, Holanda, con una voz femenina al frente del escenario: la cantante Mariska Veres, fallecida en 2006. La banda tuvo un corto periodo de actividad, desde el ’67 al ’74.
Si piensan que no conocen Venus, vayan al link del video y se darán cuenta que es un tema que escucharon millones de veces, en canales de música, en comerciales, películas, series, en fin, estoy seguro que es así. El video es extremadamente básico y barato y creo que nadie les aviso a los miembros de la banda que mientras grababan el video, seguían con vida! (mírenlo y entenderán por que lo digo).
Como dato curioso, y esto es de apreciación personal, les dejo los links de otros temas que considero que tienen una similitud con Venus. Desde lo que a melodía de voz respecta, tenemos a Dude looks like a lady, de Aerosmith y a Living on a prayer, de Bon Jovi. Y si tenemos en cuenta la base, es decir la progresión de acordes veremos similitudes en Walking on the sun, de Smash Mouth y en nuestro querido Charly García y Cerca de la revolución.
Eso es todo por esta vez, le dedico este post al viejo, Raúl, que además de enseñarme muchísimas otras cosas, me cerró la boca y me demostró que The Shocking Blue no eran producto de su mala memoria. Salud viejo!

The Shocking Blue - Venus

Aerosmith - Dude looks like a lady

Bon Jovi - Living o a prayer

Smash Mouth - Walking on the sun

Charly García - Cerca de la revolución

Jeremy habló en clase hoy.

Jeremy Wade Delle murió el 8 de Enero de 1991. Vivía en Texas y era alumno de Richardson High School. La gente que lo rodeaba lo describía como un chico introvertido y bastante callado, pero que sin embargo no manifestaba ningún problema aparente. Tenía 16 años cuando decidió quitarse la vida con una pistola Magnum (de altísima potencia), y lo hizo en un escenario poco grato.
La mañana del 8 de Enero, Jeremy asistió a su aula para tomar su clase de Inglés. Como el chico había quedado libre por exceso de inasistencias, la docente le pidió que fuera a buscar a la dirección del establecimiento una especie de autorización de reincorporación. Jeremy obedeció sin problemas. Minutos después vuelve al salón, y se dirige hacia el escritorio de la docente, la cual le pregunta si había conseguido la autorización, asombrada de lo rápido de su regreso. Jeremy dijo: “ya tengo lo que fui a buscar”. Colocó la Magnum de su padre en su boca y sin que nadie pudiera siquiera reaccionar apretó el gatillo.
Según investigaciones de la policía, luego del divorcio de sus padres, Jeremy quedó bajo el cuidado de su papa, que poca atención le prestaba, sin mencionar a su madre que lo ignoraba completamente. De ahí en más deben ser infinitos los problemas que debe haber sufrido Jeremy para tomar esa decisión. Y analizando la manera en que lo hizo, frente a sus compañeros, estaba claro que quería transmitir algo, quería decir algo. Ese día, Jeremy, habló.
Eddie Vedder, vocalista, compositor y líder de Pearl Jam, se encontraba en Texas cuando leyó en el diario la noticia sobre Jeremy y su historia. Al instante la descripción de los hechos llenaron al músico de interrogantes sobre por que lo habría hecho, que lo habría empujado a hacer algo así. Vadder declaró en una entrevista: “sentí que estaba muy involucrado y de hecho conocí a un muchacho en un colegio en San Diego, California, que hizo lo mismo, sin quitarse la vida, pero terminó disparando en un salón de oceanografía. Recuerdo que yo estaba en los pasillos escuchando eso y yo había tenido problemas con este chico en el pasado…así que pensando un poco en ese muchacho y un poco en Jeremy surgió la canción”. Jeremy, se convirtió en 1991 en el sexto tema de Ten, primer disco de Pearl Jam, y poco después en uno de sus mas grandes éxitos que identifican a la banda.
“Creo que dice mucho. Creo que llega a algún lado, y mucha gente interpreta diferentes cosas de ella y habiendo explicado la verdad de su significado y espero no ofender a nadie, créanme, pienso en Jeremy cuando la canto” agregó Eddie Vadder en la misma entrevista.
Existen dos versiones del video musical del tema Jeremy. La primera se filmó con imágenes en blanco y negro a la banda sobre una plataforma giratoria con imágenes de un actor que personificaba al chico en cuestión. Por razones de diferencias entre varios involucrados (muy aburridas y que no aportan nada) se grabó una segunda versión. De esta segunda versión se puede aclarar que existe una completa y original y una censurada por MTV. La imagen eliminada fue la del momento en que Jeremy (o el actor que lo interpretaba) se llevaba el arma a la boca. Esto provocó una gran molestia en la banda que decidió no filmar mas videos hasta 1998 cuando editaron Do the evolution (excelente video animado recomendable a gritos). Como se acostumbra en este blog dejaremos al pie los link para acceder a los tres videos, al original, al censurado y al no censurado.
Antes de cerrar este post, queremos agradecer a la señorita Anahí Moreira, por haber aportado datos para que este post sea posible (Salud Ani!). Hasta la próxima a todos.

At home
Drawing pictures
Of mountain tops
With him on top
Lemon yellow sun
Arms raised in a V
Dead lay in pools of maroon below
Daddy didn't give attention
To the fact that mommy didn't care
King Jeremy the wicked
Ruled his world
Jeremy spoke in class today
Jeremy spoke in class today
Clearly I remember
Pickin' on the boy
Seemed a harmless little fuck
But we unleashed a lion
Gnashed his teeth
And bit the recessed lady's breast
How could i forget
He hit me with a surprise left
My jaw left hurtin
Dropped wide open
Just like the day
Like the day i heard
Daddy didn't give affection
And the boy was something mommy wouldn't wear
King jeremy the wicked
Ruled his world
Jeremy spoke in class today
Jeremy spoke in class today
Try to forget this...
Try to erase this...
From the blackboard.

Jeremy - Primera versión

Jeremy - Segunda versión censurada

Jeremy - Segunda versión

Beds are burning - Algo mas que un hit

Existen muchas bandas que entran dentro de la categoría “one hit wonder”, o sea, bandas que pegaron un tema a nivel mundial y que el resto de su música no traspasó la frontera de su país natal. Midnight Oil, no es la excepción y entra en esta clasificación gracias a su tema Beds are burning (si no lo ubican por el nombre, seguro lo hacen escuchándolo). Esta agrupación oriunda de Australia, editaba en 1987 el álbum Diesel and Dust, que incluía el single Beds are burning, que supo ubicarse entre los mejores puestos de los rankings nacionales y mundiales.
El tema, a pesar de su carácter rock-pop de melodía pegadiza, tiene un trasfondo político y social que lejos está de su primera impresión al oído. Sería necesario conocer y entender parte de la historia de Australia para poder comentar puntualmente el contenido de la letra, pero por la información que se puede recolectar desde este lado del Pacifico, y teniendo en cuenta que la historia en cuestión se nos hace familiar dentro de Argentina y otros países de America Latina y del mundo, es posible hacer un breve resumen de lo que Beds are burning pretende contar.
“Ha llegado la hora, de decir ‘lo justo es justo’, de pagar nuestra renta, de pagar nuestra parte. Ha llegado la hora, la verdad es la verdad, le pertenece a ellos, devolvámoslo”. Este fragmento de la letra explica la idea global de la canción. “Ellos” son los Pintupi, una tribu de nativos australianos que fueron removidos de su región de origen, el desierto Gibson, en los años ’30 y trasladados a diferentes asentamientos y misiones. Entre las décadas del ’50 y ’60, los Pintupi fueron nuevamente reasentados en Papunya, una zona marginal al norte del país, donde compartieron territorio con otra tribu, los Luritja. En 1981 la población Pintupi se reacomodó en la comunidad Kintore, al oeste de Papunya, cerca de su territorio natal y así pudieron recuperar algo de su identidad. En la actualidad esta comunidad alcanza unos 400 habitantes.
Midnight Oil utilizo esta canción a modo de protesta para hacer justicia por la forma en que fueron manipulados los pueblos originarios, a tal punto que en la ceremonia de cierre de los Juegos Olímpicos de Syndey 2000, interpretaron el tema vestidos de negro con la leyenda “lo siento” impresa en su indumentaria, haciendo crítica a la negativa del, por aquel entonces, primer ministro John Howard a pedir disculpas a los nativos por los maltratos recibidos a lo largo de su historia. Se dice que Midnight Oil es una banda con un alto compromiso politico, y una muestra de ello es el hecho de que Peter Garret (cantante de la banda) ocupa, en la actualidad, el cargo de Ministro de protección de medio ambiente, patrimonio y artes, de Australia.
Como dato curioso se puede hacer referencia a que Beds are burning fue utilizada por distintas agrupaciones, como himno de concientización frente al cambio climatico, en la ultima cumbre que trato el tema, el año pasado en Copenhague. Se hicieron dos versiones, una en castellano con artistas latinoamericanos y otra en ingles con personalidades como la actriz Milla Jovovich, Fergie de Black Eyed Peas, Klaus Meine de Scorpions y Simon Le Bon de Duran Duran, entre otros. En ambas versiones se respeta la melodía original pero la letra fue adaptada a la temática en cuestión.
Para terminar presentamos la letra de Beds are burning y mas abajo el link del cierre de los juegos olímpicos, las dos versiones para la cumbre de Copenhague, y el video original del tema. Recomiendo que vean este último dado que se ve a un Peter Garret deleitándonos con sus movimientos corporales emulando a una marioneta de un titiritero ebrio, sobre todo en el final del video. Salud!

Out where the river broke
The bloodwood and the desert oak
Holden wrecks and boiling diesels
Steam in forty five degrees

The time has come
To say fair's fair
To pay the rent
To pay our share
The time has come
A fact's a fact
It belongs to them
Let's give it back

How can we dance when our earth is turning
How do we sleep while our beds are burning
How can we dance when our earth is turning
How do we sleep while our beds are burning

The time has come to say fair's fair
To pay the rent now, to pay our share

Four wheels scare the cockatoos
From Kintyre East to Yuendemu
The western desert lives and breathes
In forty five degrees

The time has come
To say fair's fair
To pay the rent, ah
To pay our share
The time has come, ah
A fact's a fact
It belongs to them
Let's give it back

How can we dance when our earth is turning
How do we sleep while our beds are burning
How can we dance when our earth is turning
How do we sleep while the beds are burning

The time has come
To say fair's fair
To pay the rent now
To pay our share
The time has come
A fact's a fact
It belongs to them
We're gonna give it back

How can we dance when our earth is turning
How do we sleep while our beds are burning

Beds are burning – Video original
Beds are burning – En vivo Sydney 2000
Beds are burning – Version Latina Copenhague
Beds are burning – Version en Inglés Copenhague

Whitesnake - ¿Musa, plagio o casualidad?

Whitesnake, es una banda británica de heavy nacida en a fines de los años ’70, luego de que su cantante, David Coverdale se desprendiera de la formación de Deep Purple. Se podría decir que Coverdale es el único integrante que estuvo en todas las formaciones de Whitesnake, o sea que también se puede decir que Whitesnake es Coverdale y un conjunto de pasantes músicos como por ejemplo el astro de la guitarra, Steve Vai.
Lo que nos motiva el presente post, es el hecho de haber encontrado varias similitudes y coincidencias de letras o nombres de temas de otras bandas, con composiciones de la agrupación de la viborita.
Por ejemplo en el disco Whitesnake 1987 (así se llamó la placa), aparece un tema llamado Crying in the rain, el mismo nombre del hit que los noruegos de A-ha incluirían en su álbum East of the sun, west of the moon, del año 1990. Sin embargo ambos temas no tienen nada en común, salvo la mencionada frase que se escucha en cada uno y que le da nombre a los mismos.
Slip of the tongue, es el disco que sucedió a 1987, e incluye, entre diez temas, uno denominado Judgement day, que en un fragmento de su letra nos dice “I love you, I need you, I'll get down on my knees”, mientras que “Id hold you, Id need you, Id get down on my knees” forma parte de la letra del tema In this arms, del disco Keep the faith, que los estadounidenses Bon Jovi, sacaron a la venta en 1992.
Volviendo al disco 1987, nos encontramos con el máximo éxito de Whitesnake, el tan conocido Is this love. Este tema tiene su mellizo en el disco When seconds count, del mismo año, 1987. Este álbum pertenece a la banda estadounidense Survivor (¿les suena? Son los creadores de Eye of the tiger, de la banda sonora de Rocky) y el tema tiene el mismo titulo que el de Whitesnake y ambos coinciden textualmente en la primer frase de sus estribillos, “is this love that I’m feeling?”. ¿Casualidad?

Whitesnake - Crying in the rain

A-ha - Crying in the rain

Whitesnake - Judgement day

Bon Jovi - In these arms

Whitesnake - Is this love

Survivor - Is this love

Ultima canción de Queen (en formato trío)

El disco Queen Rocks, lanzado en Noviembre de 1997, es uno de los tantos álbums recopilatorios de Queen. Sin embargo, contiene un tema muy especial y único en varios aspectos. En primer lugar, es el único tema de Queen sin la presencia de Freddie Mercury, fallecido el 24 de Noviembre de 1991. En segundo lugar, es la última grabación del bajista John Deacon con Queen, antes de retirarse profesionalmente de la música (Deacon no pudo seguir tocando tras la muerte de Freddie, quien lo alentaba e incentivaba a que se abra musicalmente). En tercer lugar, es especial, porque si bien los derechos figuran bajo el nombre de Queen, este tema esta dedicado a Freddie, con lo cual supone una situación ambigua: el tema es de Queen; Freddie pertenecía a Queen; el tema es un tributo a Freddie. Hablando en criollo, los tres integrantes vivos de la banda firman como si fueran cuatro y a su vez, le rinden homenaje a uno de sus integrantes, el que ya no esta.
El tema del que estamos hablando es No-one but you, cuya traducción seria “nadie, excepto tú”, y su letra fue escrita por Brian May, el guitarrista. Como es de imaginar, contiene un mensaje melancólico, con aires de despedida, momentos de angustia y la tranquilidad de recordar a un ser querido trayendo a la memoria sus mejores imágenes.
May le envió la letra a Roger Taylor, baterista de la banda, que al tocarla pensó que el tema sonaba como si fuera uno de Queen. Fue en ese momento donde pensó que sería prudente incluir a Deacon en el proyecto y finalmente declaró que una vez reunidos los tres, sintieron la misma química que años atrás.
La letra del tema figura traducida entera mas abajo, pero existe una parte de la letra que tiene una raíz. En la primer estrofa luego del estribillo dice “another tricky situation” (traducida como “otra difícil situación”). Se dice que este fragmento hace alusión a la letra del tema It’s a hard life, escrito por Freddie y de gran agrado para Roger y Brian, en el cual se escucha “this is a tricky situation”.
Si bien dijimos que la letra estaba dedicada Freddie, se dio la casualidad de que cuando May le envió la letra a Taylor, murió la Princesa Diana, y el baterista pensó que también podía ser incluída en la dedicatoria del tema.
El video es algo sencillo, en blanco y negro, con imágenes fugaces de Freddie, y los tres integrantes de la banda, tocando la canción en una sala de ensayo. May describió en una entrevista que la intención era hacer algo casual, que los encuentre solo a ellos, tocando para sí mismos, sin audiencia, en un clima de intimidad, con planos largos que recorren a los músicos como si alguien estuviera ahí captando el momento con sus ojos. En el link con el backstage del video que figura al pie de este post, May explica que fueron colocados varios vasos con bebidas y una copa de champagne sobre el piano, tal como acostumbraba hacer Freddie. Haciendo referencia a la letra, Taylor cuenta, en el mismo link, el sentimiento de que Freddie anda siempre dando vueltas, y que en determinadas ocasiones se lo imagina reaccionando ante alguna situación diciendo “vamos, no seas ridículo”.
Existen dos versiones del video con finales diferentes, en el video del backstage se puede ver sobre el final que la banda termina el tema tocando sus instrumentos, la cámara se aleja y figura una imagen de un ángel. En el link que contiene el video, la banda termina el tema alrededor del piano, sin tocar sus instrumentos, la cámara se aleja, se enfoca al ángel y termina una imagen del piano, con su copa de champagne, la luz que se apaga, pero el piano sigue iluminado desde arriba. La luz se apaga, todo se apaga, todo excepto tú.

Una mano sobre el agua
Un ángel alcanzando el cielo
Esta lloviendo en el cielo
¿Quieres que lloremos?

En todos lados los corazones rotos
En todas las solitarias avenidas
Nadie puede alcanzarlos
Nadie excepto tú

Uno a uno
Solo los buenos mueren jóvenes
Solo están volando muy cerca del sol
Y la vida sigue
Sin ti

Otra difícil situación
Me ahogo en la melancolía
Y me encuentro pensando
Bueno, ¿que hubieras hecho tú?

Si! Fue como un contrato
Pagando cada deuda por siempre
Demonios! Creaste una sensación
Encontraste la manera de hacerlo

Uno a uno
Solo los buenos mueren jóvenes
Solo están volando muy cerca del sol
Nosotros te recordaremos
Por siempre

Ahora la fiesta debe terminar
Creo que nunca entenderemos
El sentido de tu partida
¿Fue en la en que estaba planeada?

Y entonces bendecimos otra mesa
Y alzamos nuestras copas una vez más
Hay un rostro en la ventana
Y yo nunca, nunca le diré adiós

Uno a uno
Solo los buenos mueren jóvenes
Solo están volando muy cerca del sol
Llorando por nada
Llorando por nadie
Nadie excepto tú

No-one but you - Video

No-one but you- Backstage

Vení a Fravega y lleváte un tema sin cargo!!

Uno de los riff mas característicos y reconocidos de la historia del rock, sin duda es el del tema Money for nothing, de los legendarios Dire Straits. Esta banda británica liderada por Mark Knopfler lanzaba a la venta en 1985 el álbum Brothers in arms, incluyendo al tema que trataremos en este post.
Musicalmente hablando, este tema, transformado en hit, comienza con un riff de guitarra distorsionada y un tanto “metalica” que emula al sonido utilizado por los ZZ Top. Existen fuentes que afirman que Knopfler tuvo contactos con Billy Gibbons, guitarrista de los ZZ con el fin de que lo asesorara y le revele los secretos de su sonido.
Money for nothing cuenta con la participación de Sting, quien se encontraba en Montserrat durante la grabación y fue invitado realizar los coros. También se le atribuye parte de la composición de la letra y lo curioso de esto es que Sting comienza y termina el tema cantando la frase “I want my MTV” con la misma melodía que “Don’t stand so close to me” tema que interpreta con The Police.
El video de esta canción cuenta con una avanzada (para esa época) tecnología de efectos visuales que abarca desde personajes de animación que representan lo que la letra cuenta, hasta imágenes de la banda con retoques de colores fluorescentes. A Sting no se lo puede ver en el video.
En cuanto a la letra, se puede decir que Money for nothing tiene un “autor pasivo”, ya que Mark Knopfler escribió lo que un empleado de una casa de electrodomésticos balbuceaba mientras miraba la televisión en su trabajo. En realidad Knopfler confesó que tuvo que adaptar algunas palabras dado que las originales pronunciadas por este sujeto, contenían un alto grado de vulgaridad y violencia. Como le sucedía el personaje de la película Memento, Mark temía no recordar con exactitud la situación con lo cual pidió un pedazo de papel y empezó a escribir la letra en el mismo local.
Lo que esta canción describe es a un tipo malhumorado por su chato trabajo que maldice a los artistas que salen en televisión y a todo su mundo de fortuna y mujeres. Pero este mensaje ha sido tomado por algunos sectores sociales, como un discurso sexista, racista y homofóbico, dado que en la letra (que figura al pie de este blog) aparecen palabras como “marica” o “chimpancé” haciendo referencia a un percusionista de bongó. Mark Knopfler declaró en la revista Rolling Stone su desacuerdo con un editor de un diario gay de Londres que dijo que la letra se pasaba de la raya. “Aparte del hecho de que existe gente gay estúpida, tanto como estúpidos pueden ser el resto de la gente, la canción quizás no se preste a mas de un sentido, tenés que interpretarla mas directamente. El cantante de “Money for nothing” es un tipo ignorante y estructurado, alguien que ve todo en términos financieros. Quiero decir, este hombre es un renegado de las estrellas de rock. Lo ve en términos de, bueno, 'eso no es trabajo y esos chicos ricos son una estafa.'”
En mi opinión ha sido y será un gran tema, antes y después de saber lo que la letra decía. Para los que quieran leer de que estamos hablando, ahí les va, Money for nothing:

Now look at them yo-yo's that's the way you do it
You play the guitar on the MTV
That ain't workin' that's the way you do it
Money for nothin' and chicks for free

Now that ain't workin' that's the way you do it
Lemme tell ya them guys ain't dumb
Maybe get a blister on your little finger
Maybe get a blister on your thumb

We gotta install microwave ovens
Custom kitchen deliveries
We gotta move these refrigerators
We gotta move these colour TV's

See the little faggot with the earring and the makeup
Yeah buddy that's his own hair
That little faggot got his own jet airplane
That little faggot he's a millionaire

We gotta install microwave ovens
Custom kitchens deliveries
We gotta move these refrigerators
We gotta move these colour TV's

I shoulda learned to play the guitar
I shoulda learned to play them drums
Look at that mama, she got it stickin' in the camera
Man we could have some fun

And he's up there, what's that? Hawaiian noises?
Bangin' on the bongoes like a chimpanzee
That ain't workin' that's the way you do it
Get your money for nothin' get your chicks for free

We gotta install microwave ovens
Custom kitchen deliveries
We gotta move these refrigerators
We gotta move these colour TV's

Lord, now that ain't workin' that's the way you do it
You play the guitar on the MTV
That ain't workin' that's the way you do it
Money for nothin' and your chicks for free

Money for nothin' and chicks for free

Money for nothing

Money for nothing - En vivo con Sting, Clapton y Collins

Frank Zappa y King Kong fuman sobre el agua

“Llegamos todos a Montreux, a la orilla del Lago Ginebra para hacer unas grabaciones con un móvil, no teníamos mucho tiempo. Frank Zappa and The Mothers estaban en la mejor ubicación, pero un estúpido con una bengala incendió el lugar hasta derrumbarlo”...Si bien estas palabras parecen tomadas de una declaración policial, o algún testimonio perteneciente a un documental de televisión, no son ni por asomo algo parecido. Estas palabras forman las primeras dos estrofas del tema Smoke on the water, perteneciente a los ingleses Deep Purple, y son sólo el comienzo de la historia que relata la letra entera.
Con el objetivo de grabar el disco Machine Head, los Purple viajaron a Montreux, Suiza, en Diciembre de 1971. El lugar elegido para tal fin fue el auditorio del Casino de la ciudad en cuestión. El 7 de ese mismo mes, Frank Zappa and The Mothers se presentaban en vivo en el casino y los integrantes de Deep Purple acudieron al lugar como espectadores del show.
Todo trascurría con normalidad, el show estaba llegando a su fin y estaba sonando el solo del tema King Kong cuando se inició el desastre. Según los testigos, desde uno de los balcones del lugar se originó un incendio producto de que un individuo (“un estupido” según la acertada letra de Purple) encendió una bengala. Así es, lamentablemente a todos nos recuerda lo sucedido en Cromañon, con la diferencia que en el incendio del casino, de las 3000 personas que estaban en el lugar, ninguno resultó ser una victima fatal.
Con el fuego apenas iniciado, Zappa pidió al público tranquilidad y orden para evacuar la sala, ignorando la gravedad de la situación. Fue un trozo de balcón que se desprendió y cayó al suelo lo que denotó el inminente peligro. El chofer de la banda de Zappa guió a los músicos hacia la cocina, libre de humo y de gente alborotada, sin percatarse que el lugar no tenía salida de emergencia. La solución la encontraron en una pared de vidrio que tiraron abajo y pudieron escapar sanos y salvos (no así sus instrumentos y equipos que sufrieron quemaduras mortales. Pero no se alarmen, estaban asegurados).
Los integrantes de Purple también pudieron escapar sin problemas. Cuando llegaron al hotel que los albergaba, fueron al restaurante y se quedaron mirando como poco a poco las llamas iban consumiendo el lugar que habían alquilado por tres semanas para su grabación. Fue en ese instante en que, producto de lo que estaban observando, surgió la frase “smoke on the water”, que sería el puntapié inicial a uno de los éxitos más grandes de la historia del rock y del heavy, con un riff identificable con sólo escuchar las primeras dos notas.
Por razones mas que evidentes, la banda se vió obligada a encontrar otro lugar donde grabar su disco lo mas rápido posible. El primer lugar fue The Pavilon, un teatro local en el que no pudieron terminar su trabajo dado que vecinos del lugar se quejaron por ruidos molestos. Finalmente alquilaron el Montreux Grand Hotel y terminaron el resto del disco. Solo Smoke on the water se grabó en The Pavilon y el resto en el hotel.
Sin mas que agregar, les dejo un link por si a alguien esta interesado en ver algunas fotos del casino post-fuego, notas de los diarios sobre el tema y videos del incendio, no tiene mas que entrar acá. Hasta el próximo post.

Smoke on the water en vivo '73

Pattie Boyd (Layla)

Derek and the Dominos, fue una banda de blues rock, formada en el verano de 1970 e integrada por Eric Clapton, en guitarra y voz; Bobby Whitlock, en las teclas; Carl Radle, en el bajo y Jim Gordon, sentado en los tambores. Todos los miembros pertenecían a una antigua formación llamada Delaney and Bonnie’s band.
Fue ese mismo año en el que editaron el disco Layla and Other Assorted Love Songs, que, como su nombre lo indica, contiene el sencillo que hablaremos en este post: Layla.
Para conocer la historia de Layla, debemos presentar primero a Patricia Anne Boyd, una ex modelo y actual fotógrafa, nacida en 1944 en Hampstead, Inglaterra. Pattie (como se la conoce mejor), vivió algún tiempo en Kenia, hasta que en 1962 regresó junto con su familia a su país natal. Fue entonces cuando Pattie y sus hermanas comenzaron su carrera como modelos.
En 1964 consigue un papel en la película A hard day’s night protagonizada, como todos sabemos, por The Beatles. El cuarteto de Liverpool cautivó a Pattie durante el rodaje, pero el que mas llamó su atención fue George Harrison, con quien inició una relación que los llevó a contraer matrimonio en 1966. Según el diario El País, de España, en una nota publicada en el año 2007, la inmersión en el mundo de la espiritualidad de Harrison fue determinante en el deterioro del lazo. Mientras se menciona que el guitarrista beatle buscaba su “paz interior” con otras mujeres, a ella se la vincula con Mick Jagger y John Lennon, en una especie de revancha a la infidelidad de su esposo.
En 1968, Pattie conoce en una fiesta al guitarrista Eric Clapton y a partir de ese momento, la fascinación del músico con la modelo (y esposa de uno de sus mejores amigos) fue cada vez mayor. Mientras se esforzaba por entrar en el corazón de Pattie, ella peleaba por salvar su matrimonio con Harrison, pero Clapton no se daba por vencido, dado que estaba completamente dispuesto a tenerla. Tal era su obsesión que compuso el tema que nos compete. "Layla", llamó Clapton a Pattie en la letra de la canción que escribió junto con Jim Gordon y que grabó con los Dominos en el '70.
Se pueden rescatar fragmentos de la letra que describen claramente los sentimientos de Clapton: “Layla, me tienes de rodillas”..."suplicándote, por favor”...”como un estúpido me enamoré de ti, y diste vuelta mi mundo entero”...”resolvamos esta situación, antes que me vuelva loco”.
Finalmente consiguió su objetivo y conquistó a su Layla, con quien estuvo casado 10 años (’79-’89). Lo curioso del caso es que Harrison y Clapton conservaron su amistad sin celos ni rencores. Se comenta que Harrison prefería que su ex, estuviera con un amigo, a que estuviera con un desconocido.
El nombre "Layla" fue tomado por Clapton de un libro escrito por un poeta azerbaijaní llamado Nizami. El texto titulado La historia de Layla y Majnun cuenta como el protagonista pierde la cabeza por no poder conquistar a Layla.
Ademas de ser la musa de este tema, se cree que Pattie fue la que inspiró a Harrison a escribir Something. Pero, creo que ya es demasiado para un post, asíque desarrollaremos ese tema mas adelante.

Layla

Layla Unplugged

Every breath you take - Historia de una obsesión

El 1º de Junio de 1983, salía a la venta en el Reino Unido el álbum Synchronicity, de la banda local The Police. Este disco, que fue el quinto del trío ingles, aportó a la historia del rock británico y mundial varios éxitos, entre los que podemos mencionar algunos como Walking in your footsteps, King of pain, Tea in the Sahara, Synchronicity I y II, y Every breath you take, tema que se desarrolla en esta primera entrega de este blog.
La revista Rolling Stone ubicó a Every breath you take, en el puesto numero 84 del ranking de “las 500 mejores canciones de todos los tiempos”, y en el año 1984, Sting, cantante y autor del tema, recibió un premio Grammy a la “canción del año”. Premios que en mi opinión, son mas que merecidos.
Ahora bien, todos recordamos la melodía de esta canción, algunos saben la letra y los que no, cantan sólo algunas partes. Lo que me animo a decir es que todos los que la conocemos, sin haberla analizado en profundidad, nos apresuramos a decir que es una balada melancólica, sobre algún desamor o quizás alguna confesión sentimental del autor. Esto, creo que se ve favorecido por su ritmo pausado, sin grandes cambios y su melodía pegajosa y nostálgica, pero a la vez con cierto aire de optimismo.
Analicemos la letra en español:


Cada aliento que tomes
Cada movimiento que hagas
Cada lazo que rompas
Cada paso que des
Te estaré observando

Cada uno de los días
Cada palabra que digas
Cada juego que juegues
Cada noche que te quedes
Te estaré observando

¿Es que no puedes ver
Que me perteneces?
Como me duele mi pobre corazón
Con cada paso que das

Cada movimiento que hagas
Cada promesa que rompas
Cada sonrisa que finjas
Cada reclamo que exijas
Te estaré observando

Desde que te fuiste, he estado perdido, sin rumbo
Cuando sueño por la noche solo puedo ver tu cara
Miro a mi alrededor, pero eres tú lo que no puedo reemplazar
Siento tanto frío y extraño tus abrazos
Sigo llorando, Amor, por favor…


Interesante. Resulta que la mencionada melodía de carácter romántico no describe mas que la persecución de un tipo desesperado y obsesionado con seguir a cada instante los movimientos de su amada.
Esta letra fue escrita por Sting en el momento en que su matrimonio con la actriz Frances Tomelty llegaba a su fin luego de una crisis. Fue el propio Sting quien declaró que "la canción es siniestra y oscura. Algo ambigua a la vez ya que es seductora. Creo que ese es el poder que tiene”.
Y así es, una canción al oído romántica y al texto escalofriante.
Eso es lo interesante de la música y del arte en general. Cada uno tiene una visión personal y toma lo que necesita de la manera que le provoque algún sentimiento.
Sting escribió un amor obsesivo, el público escuchó sólo el amor.

Every breath you take